創作版画

一枚の版木に、一人の人間の意志だけを刻みつける。彫るのも、摺るのも、構図を考えるのも同じ手。それが創作版画の出発点にあった考え方である。それまでの浮世絵は、絵師が下絵を描き、彫師が板を彫り、摺師が色を重ねるという分業で成り立っていた。山本鼎らはこの体制に疑問を投げかけ、版画を絵師個人の表現として作り直そうとした。自画・自刻・自摺という言葉が示す通り、版画を油絵や日本画と同じ「作家の芸術」に引き上げることが目指されたのである。

背景には、西洋から入ってきた個人主義的な芸術観と、写実を重んじる洋画教育の広がりがあった。工芸品や商業印刷として扱われがちだった版画の地位を、絵画と対等な表現媒体に押し上げようとする意識が、若い作家たちの間に育っていった。川上澄生は南蛮趣味や異国の風物を独特の稚拙みのある線で刻み、素朴さの中に強い個性を宿した。北岡文雄は都市や自然の風景を、版木の質感を生かした落ち着いた色面でとらえ、後進の育成にも力を注いだ人物として知られる。

戦後になると、この運動はさらに抽象表現へと展開していく。加納光於は、具体的な形象から離れ、版木の物質性そのものを探るような画面を作り、版画を絵画的思考の実験場に変えていった。合田清のような明治期の先駆者から、戦後世代の抽象的な仕事まで、創作版画は一貫して「版という技法をどう自分の言葉にするか」を問い続けてきた運動だといえる。

いま作品を見るときは、量産される複製物としての版画ではなく、一人の作家が構想から仕上げまで責任を負った、いわば一点物に近い版画として向き合うとよい。板の木目や彫りの荒さ、摺りむらまでもが、作家の手の痕跡として残されている。その痕跡の生々しさこそ、この運動が版画にもたらした最大の贈り物である。