アカデミズム絵画

1863年、官展であるサロンに落選した作品ばかりを集めた「落選展」が開かれ、そこにマネの「草上の昼食」が並んだ。世間はこの絵の裸婦よりも、それが公式のサロンで拒絶されたという事実に驚いた。サロンを牛耳っていたのが、エコール・デ・ボザールという国立美術学校で古典を教え込まれた画家たちであり、彼らの様式こそがアカデミズム絵画と呼ばれるものである。印象派の物語では悪役に位置づけられがちだが、当時のパリで最も権威があり、最も稼げたのはこちらの側だった。

アカデミズム絵画は、古代彫刻とルネサンス絵画を模範として、人体の解剖学的な正確さ、遠近法、なめらかな筆致による仕上げを徹底的に仕込む教育制度の産物である。学生はまず石膏像を、次に裸体モデルを何年もかけて素描し、歴史画や神話画といった「高級」な主題を頂点とする序列を叩き込まれた。ブグローの女神や妖精の肌が磁器のように滑らかなのは、筆の跡を残さないことが技量の証しとされたためであり、メソニエが軍服のボタン一つまで克明に描き込んだのも同じ美学の延長にある。写真術が普及し始めた時代でもあり、絵画が精密な再現を競う土壌はすでに整っていた。

代表的な作家として、ブグローは理想化された人体表現の頂点を示し、メソニエは歴史考証を重んじた戦争画で名を馳せ、クチュールは大画面の寓意画で一時代を築いた。ポーランド出身のシェミラツキは古代ローマを舞台にした大作で国際的な人気を得ており、アカデミズムがフランス一国の現象にとどまらず、ヨーロッパ全体の美術教育の共通言語だったことを物語る。メルソンのように宗教的・幻想的な主題を精緻な線描で描いた画家もおり、この運動が単に保守的だったのではなく、独自の完成度を追求していたことがわかる。

20世紀に入ると、アカデミズムは前衛美術の踏み台として長く軽視されてきた。しかし近年は、その卓越した技術そのものが再評価されている。今これらの絵の前に立つときは、印象派と比べて「古い」と片づけるのではなく、なぜこれほどの技巧が当時最高の栄誉を受けたのか、その時代の目で眺め直してみる価値がある。